第九章舞蹈艺术的舞台调度.docx

第九章：舞蹈艺术的舞台调度

舞台调度是为了揭示作品的思想内容而对演员在舞台上的活动所进行的设计和安排，它包括演员所处的位置和位里的变换。在戏剧上称为舞台调度。任何舞台艺术都讲究舞台调度，舞蹈艺术的舞台调度包括舞蹈的路线、群舞的画面、上下场等舞台活动。舞台调度是构成舞蹈艺术表现手段的一个重要方面，是为了展现作品思想感情的一种造型手段。舞蹈编导要根据作品的内容、规定情景、人物的思想感情、行为逻辑来作为处理舞台调度的根据。有些舞蹈的舞台画面是从美感出发的，但在设计上也应该有逻辑性，达到通顺和流畅。舞台调度应该是富有表现力的，能在观众中产生预想的情绪效果和戏剧效果。舞蹈艺术的舞台调度应该象绘画一样富有造型性，在静止时要象一幅画或一座浮雕。但是，它不是一瞬间的，而是空间艺术和时间艺术相结合的舞台活动，随着激情和舞蹈的变化，在观众面前展示出一幅幅有

美感和动势的舞台画面。

作为现实主义的艺术，舞台调度的处理应该是有目的性的通过调度的手段，可以突出人物的行动、揭示人物的内心世界．交待人物的相互关系，同时也可以引导观众视线的转移、渲染气氛、创造意境、推进戏剧性的高潮。在情节性的舞段中，调度要受人物内心情感的制约，比如《天鹅湖》二幕，王子与白天鹅初次相遇的场面，白天鹅惊愕地躲避，王子因爱慕而阻拦，就构成了这段双人舞的调度线。但在一些情绪舞蹈中，调度只体现舞蹈画面的变化，虽然单一的画面很难说清是表现某种意念，但总体上仍是在统一的构想下表现了作品的内容。比如

《东方红》大歌舞中的”葵花向阳”就是依照这样的原则处理的。

后舞台右

后舞台中

后舞台左

2区

4区

6区

前舞台右

前舞台中

前舞台左

1区

3区

5区

舞台的区位有分成9个的，也有分成6个的，为了方便起见，还是讲6个区位。前舞台亦称下舞台，后舞台亦称上舞台。演员在舞台上的活动应该纳人编导计划中，：不能让演员在舞台上随意行动。有些大场面可以在讲清要求后让演员

自己设计，经过编导检验后仍需固定下来。编导应该熟悉和掌握舞台上各个区位的特点，以便充分地使用它。

1区位的强弱：一般说舞台前部一、三、五区靠近观众，比舞台后部更有力量；另外，从人的视觉习惯总是先看左边，所以难成了左边比右边强些。我国戏曲就是将左边作为上场门。当然这不是绝对的，弱区经过导演处理也可变为强区。三区因为在前区中心，所以比较明显有力，善于表现紧张的冲突和高潮，很多舞蹈的结束都安排在这个地方。舞台的四区往往成为正统、高贵和有权势的区域，很多舞剧的主要人物都从这里出场或坐在这个位置上一区和五区处于舞台的两侧，距离观众很近，．又不占主要位置．习惯上认为善于表现人物的细腻的感情，一般戏剧中人物的内心独白经常安排在这里。第六区被认为是最弱的区位，中国戏曲称它为下场门。

区位的变化：了解各区的特点后应该避免把每段舞都放在舞台中间进行，要尽可能充分地利用舞台空间，舞蹈是空间性的艺术。培养编导有这样的课程：由教员在舞台面上划出连续的行动线，然后要求学生按着规定的行动线去编动作，以锻炼舞台调度的能力。

区位的重复：重复可以产生特殊的艺术效果，比如《吉赛尔》第二幕，群灵跪成了大斜排的画面，迫使守林人跌人沼泽地，后来再重复这个画面时，观众会预感到伯爵将遭到同样的命运。区位的重复可以增强情感的力度。

舞蹈编导还应该掌握运用舞台空间的能力，美国著名现代舞蹈家多丽丝·韩芙莉把舞台空间列为舞蹈创作的重要一课。她认为舞台是一个特殊的空间，既不同于广场，也不同于练功房。舞台有四个角，在结构上得到垂直线的支撑（后面两条垂直线，台前两条垂直线），还与舞台各处延伸过来的线条构成直角。两条线在顶部，两条线在舞台平面，这样就有六根强有力的线支撑着后面两个角。

站在后面两个角会使演员显得很重要，舞台中心点虽然是最有力的位置，但使用过度便会失去效用，力量会逐渐减弱。当他继续向前走，高潮的光辉开始减退，到达前台角，是遗忘角落。若从前往后走对角线，只会越走形象越单薄，由于背向观众，给人以退而非进的感觉。横越舞台可继续保持形象感。前台角有时是极好的下场点，如果把舞段安排在强力区域，然后急转直下，接上一个性格鲜明、精力充沛的结尾，选用台前下常会感人至深。

从天幕到前台边缘，为舞台中极有力的区域。在远处会显得神秘异常，所谓“远看出美人”；到舞台中心点，形象的力度增大；再往前走，尽管身影越来越大，其力量却在迅速减少；到脚灯前会毫无神秘感。向后向前最能体现出强劲的力量，其次为对角线，再其次为左右横行，最后是圆舞。环行体现身体活力的重复和生命无休止的连续感。

舞台灯光的改变也可改变演区的强弱，灯光可以把不希望看到的形象掩盖起来，也可以借助灯光使弱区变为强区，灯光有助于促成剧情的高潮。舞蹈编导应该通晓灯光专业，在创作中给以足够的重视。韩芙莉还